Hace unos días comenzamos a incursionar dentro del género fantástico, Luján adelantó algunos datos a nivel general y sin darme cuenta me encontré indagando en la literatura… y a medida que leía no podía evitar imaginar seres, paisajes, mundos… todos ellos irreales, raros, extraños... casi ajenos a nuestro mundo conocido, pero moviéndose dentro del mismo con total naturalidad. …
El género fantástico nos remite indefectiblemente a la fantasía del hombre, tan inmensurable y poderosa que puede por un lado crear universos nuevos, distintos o alternativos y por otro sumergirnos en ellos como si éstos fueran propios y cotidianos.

Y es que si bien este género nace de la imaginación del hombre y se alimenta de ella en el análisis del suceso fantástico no se puede descartar una explicación racional…quizás esto se deba a un razonamiento lógico: para creer que un hecho es inexplicable nos basamos en la realidad en la que estamos inmersos, en nuestra cotidianeidad, en lo que nos es conocido y familiar.

Así lo mágico y lo real, lo increíble y lo cotidiano, lo inexplicable y lo racional se fusionan dando lugar al género fantástico…  y surgen entonces diversos cuestionamientos y el eterno problema de los límites, ¿cuándo es ciencia ficción, cuando entramos en el mundo de lo fantástico? Y la cuestión se pone más compleja cuando uno empieza a indagar en los distintos géneros y subgéneros y etc, etc. Por eso consideramos que lo mejor era acudir a un excelente escritor, apasionado del tema.

Hablamos de Alejandro Alonso, a quien conocíamos de otro mundo, el de la tecnología. Y sí, efectivamente lo fantástico es posible. Nos reencontramos con Alejandro en el mundo del arte.

Créalo o no, Alejandro tiene dos vidas paralelas. Periodista especializado en el área de tecnología y reconocido escritor en el género fantástico… ¿o será que en realidad uno y otro mundo se fusionan? Ya que cómo el mismo nos explicaba lo fantástico parte de lo racional. En fin, ya lo aclarará él próximamente.

Por lo pronto me gustaría destacar algunos de los premios recibidos por sus cuentos y novelas: finalista de los premios Pablo Rido y Domingo Santos (ambos en España), el premio Axxon, el Premio UPC de Novela Corta Ciencia Ficción 2002 otorgado por la Universidad Politécnica de Cataluña (por ese entonces el más importante del genero en lengua española) y el reconocimiento como Revelación Literaria 2003 de la Fundación Ciudad de Arena. Aprovecho para pasarles el link a algunos de los escritos mencionados para que vayan entrando en clima:

*"Las cinco direcciones de su brújula"  Finalista del Premio Domingo Santos. Publicado en Postales desde Oniris. Equipo Sirius, Colección Transversal Fantasía n°1. Madrid, 2004.
*"La duna del 40º aniversario"  Premio Axxón 2001, en la categoría Cuento de Ciencia Ficción.
*"De memorias ajenas" Cuento Finalista del VIII Premio Pablo Rido, organizado por la Tertulia Madrileña de Literatura Fantástica, en 1999.

Obra del cabezal: "La pérdida de la razón contemplada desde un nacimiento" 80 x 120 cm. Óleo sobre tela. Diego Santos, artista de Objeto a, obra en trastienda 

A continuación subo dos obras, dos "paso a paso" realizados en tableta digital y las acompaño con una breve reflexión "dominguera"

Mila:

Violeta:

"En toda comunidad de intereses, en todo grupo conformado de un modo u otro por alguna afinidad, por alguna temática homogeneizante, surgen inmediatamente códigos de pertenencia, axiomáticas divisoras de lo bueno y lo malo, lo correcto y lo incorrecto, lo más mejor y lo más peor, lo más bueno y lo no tan bueno, gradaciones valorativas, etc. etc.

Es así que entre los "artistas", pintores, dibujantes o ilustradores, existe una codificación estricta de donde está el cielo, y donde está la miseria. Algunos items son inconfesos, funcionan como una especie de inconsciente, algunos incluso luchamos contra esta moral del dibujo, contra la ortodoxia represiva del arte con mayusculas, decimos que no creemos en ella, que no es tan así... pero nos domina. En el fondo nos sometemos a ella.

Ejemplos:
1. Dibujar sin referencia alguna es lo más
2. Dibujar con referencia fotográfica es aceptable, pero es menos que 1.
3. Dibujar con referencia "REAL" o modelo vivo, es mejor que 2, pero peor que 1.
4. Dibujar con varias referencias fotográficas para hacer un trabajo nuevo, es mejor que 2, pero peor que 1 y 3.

En otra serie:
1. Pintar con pincel, tela y oleo, es lo más
2. Pintar con pincel, tela y acrilico, es menos que 1.
3. Pintar con pincel, papel y acrilico, es menos que 2
4. Pintar con Wacom... debe ser el rango más bajo en la evolución artistica

Ahora bien, combinando las series
1. Pintar con Wacom y con referencia fotografica, lo menos
2. Pintar con Wacom pero sin referencia fotográfica, es un poco mejor
Y pueden continuar haciendo escalas de esta manera, como más les guste."

En junio del año pasado Lucian Freud se consagraba como el artista vivo más cotizado con su obra “Bruce Bernard” rematada en US$ 19,2 millones. Un par de días depues el británico Damien Hirst arrebata el título con “Lullaby Spring” vendida en Sotheby´s London por US$ 19,5 millones. Pero la gloria de Damien fue también de corta duración. “Hanging Heart” de Jeff Koons fue adquirida al poco tiempo por £11.3 millones en Sotheby’s New York por Larry Gagosian, uno de los dealers americanos más poderosos.

Se trata de tres estilos totalmente distintos; Freud intimista, Hirst provocador y Koon impactante. 

Lucian Freud con más de sesenta años de carrera es considerado por muchos el mayor pintor figurativo con vida, y es que el artista recurre a uno de los géneros más antiguos en la historia de la pintura: el retrato, pero da un paso más, y heredando quizás algo de su reconocido abuelo, nos enfrenta a retratos psicológicos que se adentran en el interior de sus personajes. Sus cuadros los desnudan, la mayoría de las veces literalmente. Se presentan despojados de elementos, en habitaciones vacias. Muestran lo justo y necesario para retratar un sentimiento, una personalidad, una sensación.

“Bruce Bernard”, es un retrato del editor fotográfico del The Sunday Times Magazín, amigo cercano de Sigmund Freud y principal ensayista sobre la obra del pintor. La obra, de grandes dimensiones, pincelada expresiva y tonos acerados muestra a Bernard con una mirada perdida, melancólica quizá, en un cuarto vacio, con una montaña de papeles abollados detrás suyo. Son pocos los elementos del cuadro y sin embargo dice mucho.

Por su parte Damien Hirst adquirió popularidad en la década de los 90 como consecuencia de su polémica muestra “Sensation”, apoyada por un fuerte trabajo de difusión del publicitario y coleecionista Charles Saatchi. Hirst apela al impacto visual, a la controversia cultural y moral buscando conmover al observador y sembrarle inquietudes. Uno de sus temas predilectos es la muerte, el cual le sirvió de inspiración para la muestra “natural history” donde exhibía entre sus piezas un tanque de vidrio de 22 toneladas de peso con 224 galones de formaldehído que albergaba en su interior a un tiburón tigre de casi 4 metros, con sus fauces abiertas.

Llegamos entonces a “Hanging Heart”, un corazón gigante de metal rojo de 1.560 kilos de peso que cuelga del techo por una cinta dorada. A pesar de la contundencia de la obra pareciera flotar en el aire como un globo. Hanging Heart pertenece a la serie “Celebration” y es una de las cinco versiones, todas de distinto color, hechas en acero inoxidable alto en cromo con revestimiento transparente en color. Según Koons esta serie es "algo festivo que tiene que ver con la infancia, el color y la simplicidad"

A continuación los dejamos con un video que publicó Sothebys con motivo al remate de San Valentin, donde se reflexiona sobre “Hanging Heart”

Las imágenes de las obras son propiedad intelectual de Sothebys.
El cabezal de izquierda a derecha: autoretrato de Lucien Freud, Damien Hirst, Jeff Koons.

Hoy les acercamos una serie de imágenes de las esculturas realizadas por Marcela Otero.

Dice la artista acerca de su obra:

"Modelar es para mí una necesidad vital.
En la arcilla vuelco mis sentimientos, mis sensaciones mas profundas. Aquellas que están tan escondidas que sólo las reconozco mías cuando quedan plasmadas en la obra.
Modelar es el placer de sentir, de vivir y de encontrarme con cosas, con seres muchas veces olvidados, o escondidos vaya a saber porqué, no importa, lo importante es volver a encontrarlos."

Obra en trastienda. Para mayor información sobre la misma o la artista contactar a María Luján

“Viejas como el miedo, las ficciones fantásticas son anteriores a las letras. Los aparecidos pueblan todas las literaturas…perdimos las leyes para el cuento fantástico, pero ya veremos que no hay un tipo, sino muchos, de cuentos fantásticos”…Bioy Casares, 1940 en el prólogo de “Antología de la literatura fantástica”.

El género fantástico tiene diversas interpretaciones y formas de expresión, costando a veces establecer los límites con la ciencia ficción y otros géneros similares. En la literatura sus orígenes se remontan a las narraciones orales, en el ámbito nacional y más cercano a nuestra actualidad encontramos a escritores como Bioy Casares, Borges y Silvina Ocampo, hoy día los nombres que suenan son los de Marcelo Cohen, Ana María Shua, Carlos Gardini, Angelica Gorodischer, Alejandro Alonso entre otros…

En lo que es cine las pantallas han sido invadidas los últimos meses por películas como Harry Potter, Narnia, La brújula dorada que han sido la mayoría de las veces catalogadas bajo la etiqueta de género fantástico. A nivel nacional un clásico convertido en film de culto es Invasión, dirigida por Hugo Santiago y con guión de Jorge Luis Borges y Adolfo Bioy Casares.

Las artes plásticas no son ajenas a la influencia de lo fantástico, diversos movimientos han rondado este submundo: el romanticismo, el realismo mágico, el surrealismo…Hoy día en Argentina podríamos encontrar en las pinturas de Fermín Eguía algo de la fantasía que estuvo presente en todos los movimientos antes mencionados.

En Objeto a estamos considerando dedicarle un mes entero al tratamiento de este género. Las puertas de Niceto Vega 5181 se abrirían así a un mágico mundo donde todo puede pasar… les presentamos la propuestas y escuchamos su opinión, les proponemos que mientras desarrollamos este eje vayamos preparando el clima compartiendo experiencias en este género, aquellas obras que nos impactaron, nos asustaron o conmovieron, aquellas con las que nos gustaría reecontrarnos, las que nos gustaría profundizar…

Por lo pronto doy comienzo transcribiendo un corto cuento de Lewis Carrol, el creador de Alicia, que figura en la "Antología de literatura fantástica" arriba mencionada.

El sueño del rey:

- ahora está soñando. ¿Con quién sueña? ¿ lo sabes?
- Nadie lo sabe.
- Sueña contigo. Y si dejara de soñar, ¿que sería de ti?
- No lo sé.
- Desaparecerías. Eres una figura en su sueño. Si se despertara ese Rey te apagarías como una vela. 
Lewis Carrol, 1871, Inglaterra

Foto:still de la película "El ojo del diablo" de Bergman, una de sus películas más cercanas al género fantástico.

Demos una mirada ahora al mundo de la escultura. En este caso vamos a ver como fue tratado el dolor humano por distintos artistas en distintas épocas y vamos a ver cuales son las sutiles diferencias que caracterizan estas obras y cómo trataron de captar la emotividad del momento.

La primera escultura es una obra que pertenece al período helenístico: “Laocoonte y sus hijos”.

La obra relata un hecho mitológico, descripto por Virgilio en Eneida: El sacerdote Laocoonte exhorta a sus compatriotas a rechazar el caballo que esconde a los soldados griegos. Los dioses, al ver sus intenciones frustradas envían dos serpientes de mar para que estrujen al sacerdote y a dos de sus hijos. La obra de Hagesandro, Atenodoro y Polidoro, realizada en marmol, de 2,42 m de altura paraliza en un instante el sufrimiento del sacerdote en su desesperada e inútil lucha.

Los artistas del período helenístico reflejaban los estados anímicos del Hombre mediante formas apasionadas y dramáticas, movimientos excesivos, cuerpos retorcidos en violentas contorsiones. Se trata la perfección del cuerpo humano mediante la representación de los músculos, tendones, etc.

El Laocoonte es una de las obras emblemáticas de la expresión del dolor humano.

Es un dolor sublime, producido por la culpa tortuosa de saber que sus hijos han de sufrir y morir a causa de sus acciones. La fuerza tremenda reflejada en cada músculo de su cuerpo aprisionado, las venas henchidas, la postura retorcida y dramática, el gesto de su rostro que denota grandeza… son el reflejo del dolor físico y por sobre ello, el dolor del alma de este hombre que lucha por escapar de su prisión.

La siguiente obra que comparamos es del año 1650, es un altar de Bernini en una pequeña capilla lateral de una pequeña iglesia romana. (El Extasis de Santa Teresa, iglesia de la Santa Maria della Vittoria) Bernini capta el momento en el que un pequeño angel celestial traspasa a la santa con una flecha produciéndole gran dolor e infinito deleite. El rostro de la santa logra una emotividad a la que nunca habian llegado los artistas antes.

La obra, que refleja fielmente los lineamientos de la escultura barroca, ilustra el dolor físico y a la vez la alegría que experimenta la Santa que se mezclan hasta fundirse en una plenitud espiritual producida por la divinidad que toma su alma.

La expresividad lograda en la obra al igual que en el Laocoonte, también es muy fuerte. Pero aquí no se ve reflejada en formas anatómicas dramáticas y marcadas sino en la expresión del gesto del rostro, en la sensación que nos produce la postura de la Santa, un poco reclinada, transmitiéndonos una sensación de movimiento ya sea a través de la caída de los pliegues de su manto, de su ropa, o bien dejando ver su pie descalzo como si se estuviera balanceando suavemente…

No vemos un tratamiento del cuerpo humano que refleje la perfección desde la representación de cada detalle muscular. Inclusive sólo podemos observar descubierto su rostro.Las formas del cuerpo de la Santa se destacan o insinúan simplemente mediante los pliegues del manto y el ropaje que la cubren toda.

Dos esculturas en mármol separadas por siglos de historia.

El Martes pasado tuvimos el placer de asistir a la entrevista que el fotógrafo Juan Travnik y la curadora Graciela Taquini, (a quién agradecemos la invitación), realizaron a las artistas españolas Isabel Muñoz y Maribel Doménech, sobre la obra que presentan en la muestra “La piel de los hijos de Gea”, que se exhibirá a partir de hoy hasta el 2 de Marzo, en el marco del programa “Recoleta en el CeDIP.”

Amador Griñó curador de esta exquisita muestra dice, “me interesa el origen de las cuestiones, el por qué...”, quizás este interés, esta búsqueda de las esencias lo llevó a reunir a estas dos artistas en un diálogo en que el cuerpo, “por presencia y por ausencia” al decir de Griñó, es el centro desde y hacia el cual ambas artistas dirigen sus miradas.

“La fotografía trata de sentimientos” asevera Isabel Muñoz, quién presenta 50 trabajos fotográficos sobre los tatuajes de escarificaciones queloideas y pinturas corporales de las tribus etíopicas, trabajos realizados en blanco y negro, lo que le permite a Isabel según explica, “transmitir el misterio y la atemporalidad” cerrando la selección con sus últimas producciones en platino color “el color dice lo que hay (...) el mundo digital me permitió descubrir el color...” Su obra nos conmueve; asombro, ternura, rechazo, curiosidad no hay palabras todo se juega en ese segundo todo esta allí en esos ojos, en esas pieles esculpidas, escritos a descifrar, ”me interesa la gente, sus sentimientos” cuenta Isabel , “rescatar el sentimiento y dignidad de las personas” reitera, y “sentimientos” es la palabra que al contemplar su obra nos envuelve como las pieles de esos cuerpos; que no quedan dudas sólo Isabel sabe fotografiar en toda la dignidad de su desnudez.

Maribel Doménech exhibe en esta muestra dos de las esculturas realizadas con cable y luz, que conforman su trilogía inacabada “Tejer el tiempo”, su vestido blanco “Como una habitación llena de luz” y su vestido negro “Para ver el mundo a cierta distancia”. Maribel cuenta, y calla... luz, sonido, color...esperanza, dolor...y el tiempo... con voz serena nos va llevando por los caminos que recorrió como artista y mujer para llegar en un juego de ausencia-presencia, a lo que es su obra hoy, metáfora de un cuerpo, donde la introspección, lo social, el feminismo, y una profunda reflexión sobre la vida y la finitud entretejen sus esculturas como los cables que le dan forma.

Dos artistas, dos mujeres, dos miradas, que se encuentran y fusionan en esos cuerpos que hablan, que cuentan sin pudores lo que la palabra calla. Cuerpos de piel, ropaje que no miente, cuerpos de cable y luz. Cuerpo en nombre de otro cuerpo.

Y allí, susurrando a veces, gritando otras, diciendo, interrogando, pero siempre en juego, lo femenino, la sensualidad y los eternos miedos a la soledad y la finitud, a lo desconocido, lo diferente, y las eternas búsquedas...

Cada una recorre estos caminos a su manera, Isabel, desde el cuerpo del otro como puente a su propio interior. Cuerpo marcado que remiten a nuestras propias marcas internas, imágenes de una belleza que estremece, la magia del lenguaje del silencio, hecho de miradas, de luces y sombras que hablan de misterios sin tiempos y de pronto un color, un salto de vida, una mirada azul, algo que no puede ser dicho de otra manera.

Maribel, se esconde, se muestra, es la presencia de un vestido de luces en la ausencia de un cuerpo dolido la que une los tiempos, ayer, hoy ....¿mañana?...la que marca sin decirlo las distancias....son esos cables como venas, donde corre la sangre-luz, piel que viste al cuerpo ausente, los que escriben las historias, los que narran las vivencias...

Sólo dos palabras, PARA VER.

Foto: (de izquierda a derecha)  Juan Travnik, Isabel Muñoz, Amador Griñó, Graciela Taquini y Maribel Doménech.

Hola amigos lectores del Blog de Objeto a.

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Y así es como podrás leer a diario y automáticamente los posts que se posteen en nuestro blog.
Desde ya que podrás también suscribirte a otros blogs que cuenten con la misma funcionalidad (hoy son casi todos los blogs) como así también fotologs, diarios, agencias de noticias, foros, etc.

Esperamos que este breve instructivo haya sido de tu utilidad y cualquier consulta la podrás realizar a contacto@suenosdigitales.com.ar que con mucho gusto te responderán las inquietudes.

Enero fue un mes de muchas visitas, pese a la época de vacaciones. Subimos las fotos de nuestros visitantes, agradeciéndoles que vinieran hasta la obra en medio de los calores del verano y que hayan tenido la imaginacion para visualizar el proyecto terminado mientras caminabamos entre montañas de arena y escaleras sin terminar.

Subimos un nuevo post de las fotos de la obra. esta vez se encontraran con la estructura del entrepiso, con los accesos a la terraza con la parra, con terminaciones en la zona de talleres. Enero fue un mes en el que revocamos las salas de charlas y de exhibicion y empezó el final de la obra humeda. Hicimos la cubierta y comenzamos la estructura del entrepiso. Terminamos la escalera de hormigon y comenzamos la metalica. Finalmente llegó Edenor, luego de dos meses de espera y comenzamos con la instalación del ascensor. Febrero será un mes muy importante desde lo visual. A fin de febrero, comenzaremos con terminaciones. Seguidamente les mostramos fotos de los avances en las distintas fases de construccion.

Hoy retomamos los apasionantes interrogantes que sobre “La Mona Lisa” habíamos comenzado a transitar en esta sección (Buscarte), y si de enigmas y misterios hablamos, su sonrisa ha sido uno de los paradigmas más representativos del mundo del Arte.

La sonrisa de La Gioconda parece desaparecer cuando se la mira directamente y reaparece cuando la mirada del espectador se fija en otras partes del cuadro. Éste es un efecto que le dio Leonardo a su cuadro y que los expertos en percepción visual explican como “una ilusión que aparece y desaparece debido a la peculiar manera en que el ojo humano procesa las imágenes". El ojo tiene una visión fotópica o directa y la escotópica o periférica. A través de la visión directa percibimos detalles, pero no distinguimos las sombras, que sí pueden ser percibidas por la visión periférica. La sonrisa de la Mona Lisa fue pintada usando unas sombras que se ven mejor con la visión periférica.

Un ejercicio que ilustra el concepto…si se concentra la mirada en una sola letra sobre una página impresa, podrán comprobar lo difícil que resulta reconocer el resto de letras.

Paralelamente a este efecto “técnico”, la sensación que transmite su sonrisa produce desconcierto…

Se han realizado distintas investigaciones sobre este misterioso desconcierto que provoca la sonrisa que pintó Leonardo utilizando el juego de sombras. Inclusive se le aplicó a la pintura un software especializado en la “medición de emociones” para estudiar la expresión de la modelo y cuyos resultados arrojaron los siguientes datos: La Mona Lisa está un 83% feliz, un 9% disgustada, un 6% temerosa y un 2% enfadada. El software registra rasgos faciales como la curvatura de los labios, arrugas etc, y luego se comparan las mediciones con una base de datos de expresiones faciales femeninas promedio.

Más allá de los resultados matemáticos y del hecho de que su nombre italiano “Gioconda”, traducido al castellano significa “alegre”, muchos dicen que la expresión de su rostro transmite una cierta sensación de amargura, de tristeza...O quizás detrás de esa enigmática sonrisa se oculte un estado emocional especial, ya que algunos han llegado a suponer que la modelo estaba embarazada…otro misterio en el que nos adentraremos más adelante…

En abril presentaremos nuestra primera exposición llamada, al igual que nuestro espacio, “Objeto a”.
La confluencia de artistas argentinos que nos presentarán su obra delineará un interesante y riquísimo recorrido -desde los años 60s hasta la actualidad- por propuestas artísticas, por búsquedas muy diversas que despliegan la particularidad de cada artista y que nosotros ponemos en escena, en pleno diálogo, sin carátulas, sin prejuicios, ofreciendo a ustedes, espectadores, la posibilidad de dar vida propia a ese diálogo de infinitas posibilidades.

Ahora bien, así como es maravilloso recorrer una exposición y vincularse con las obras desde un lugar muy íntimo y personal…conocer el contexto y período en el que cada obra fue creada es otro modo –también maravilloso- de disfrutar, aprender, sentir y pensar a través de las obras de arte…

Por eso les proponemos el curso Búsquedas y diálogos en el arte argentino contemporáneo guiados por la Licenciada en Artes Paula Zambelli.

Les adelantamos algunas de las preguntas y temas que guiarán nuestro curso:
¿Por qué fue tan importante el Instituto Di Tella durante los años 60s? ¿qué es el arte de acción, el assemblage, las instalaciones y ambientaciones y por qué surgieron como nuevos modos de expresión?
Del arte objetual al arte de concepto… ¿un camino sin retorno?
El arte… ¿puede representar la violencia, la censura, la injusticia? ¿puede transformar al individuo, la sociedad? El arte como herramienta política. La metáfora y lo ambiguo como refugio del discurso de la resistencia en los años 70 y 80s.
Posdictadura. Destapes y explosiones. La performance y el teatro, el underground, el Parakultural y Cemento. La vuelta a la pintura. El arte sin ataduras. El arte y los derechos humanos.
Los 90s: nostalgias, frialdad e individualismo. El kitsch, neoconceptualismo y neominimalismo.
Fines del 2001 a hoy….El arte ¿nos permite conocernos y pensarnos a nosotros mismos?

¡¡¡Los esperamos!!!

Duración: 1 mes, 4 clases. Modalidad: intensivo. Direccion: Niceto Vega 5181
Día y horario: martes de 9:00hs a 11:00hs Fecha de inicio: martes 10 de junio Precio: $120
Por mayor información contactar a María Luján Oulton

Dirección: Niceto Vega 5181

María Belén, cuenta con una vasta formación en técnicas textiles que abarcan desde estudios especializados en Macramé y Trenzas, Sprang, pasando por telar Toba, Mapuche, Azteca, Egipcio y técnica de Tapiz, entre otras especialidades.
Ha participado también en seminarios que comprenden una amplia temática entre ellos “Arte Americano y Argentino: un panorama”, “Estética y diagnóstico cultural, en el Universo textil andino antes de la conquista española” y “Seminario de la Creatividad” entre otros.
Se desempeña como docente desde hace años en colegios, institutos, casas de provincia y centros culturales y como coordinadora en el centro cultural de la Ribera. Ha participado en diferentes museos, ferias y encuentros como expositora, organizadora y docente.

En el taller que presenta Belén, los alumnos se introducirán en las técnicas originarias del telar aborigen partiendo de una presentación teórica sobre su historia, pasando por las técnicas de telar toba, urdimbres, tejido andino, torzal, trenzas, redes, telar egipcio, hilados en uso y en rueca entre otras, pudiendo llegar a la producción de diversas piezas como tapices, ponchos, etc …de acuerdo al interés de cada alumno.

Más adelante se dictará un taller de telar manual sobre el cual les informaremos próximamente.

Duración: anual. Abierta la inscripción durante todo el año. Días: martes de 14.30 a 16.30 hs Direccion: Niceto Vega 5181
Fecha de inicio: martes 8 de julio
Precio: $120 por mes. Para mayor información contactar a Andrea Marchesi

A continuación les presentamos 8 obras de la serie "Un touch de color" de la artista pástica Gaby Elliot, obra que estará en la trastienda de Objeto a.

En esta secuencia Gaby nos introduce en un mundo de sensualidad y misterio. La temática siempre ronda el mundo de lo femenino coqueteando con el género del "arte sensible".
La artista juega con grises casi fumé, delicados y ensoñadores y los enfrenta sin miedo a intensos rojos, saturados, brillantes y opacos.
Las mujeres de esta serie enfrentan al observador, lo provocan, parecieran demandar una respuesta.

Por mayor información sobre la obra de Gaby Elliot contactarse con María Luján Oulton

Este viernes les presentamos otro video de Philip Scott Johnson sobre la belleza, las mujeres y el arte.

Los dejamos con un recorrido por las principales figuras femeninas, de ayer y de hoy, íconos del séptimo arte hollywoodense.

A continuación un punteo de los post publicados durante el mes de enero.

Cursos y talleres:

• “Huellas y (des)enfoques”, historia de la fotografía dictado por Diego Guerra
• Talleres de Artes Aplicadas dictado por María Camero
• Taller de inicación teatral dictado por Julian Krakov
• Aproximación al video-arte dictado por Maru Prenafeta
• Taller de Creación Literaria dictado por Hernán Diez
• Taller de teatro en espacios no convencionales dictado por Vanesa Maja
• “Otoño con Julio”, curso intensivo de literatura dictado por Alicia Grinbank

Pensando en voz alta:

Subimos una serie de imágenes sobre los visitantes ilustres, el backstage de la obra, las pruebas de Iluminación y el asado de fin de año. Anunciamos también la inclusión de Objeto a en el plan INCUBA 2008 promovido por el Centro Metropolitano de Diseño.

Buscarte:

Inauguramos la sección buscarte con el video “women in art” de Philip Scott Johnson. Le siguió “misma escena, distinta mirada" un recorrido por la escena de "la anunciación" según tres momentos y regiones geográficas distintas. El tercer post trató sobre uno de los más famosos misterios de la historia del arte: Quién es la Gioconda?