En el día de cierre de Arte x 2 compartimos con ustedes unas palabras sobre la obra de Horacio Pages Frascara.
Recuerden que la muestra cierra hoy sábado 25 de julio a las 19hs.
Obra: Instalación “Paisajes desplegados”
Artista: Horacio Pagés Frascara
“…una mirada que sintoniza la relación entre el hombre, la naturaleza que lo rodea, el cielo y la tierra” así define Pagés Frascara su obra.
Cielos azules, por momentos grisáceos, donde nubes, formas y paisajes se fusionan en una conjunción de serenos movimientos y traslúcidos colores que nos remiten a otros tiempos sin tiempo, que hablan lenguajes olvidados, rescatados en el videoarte “Proyecto cielo” que se integra con natural continuidad a los “paisajes andinos”, que se “despliegan” desde los cartones, metales, arenas, mica, que le prestan su materialidad para que tomen cuerpo aquí, frente a nuestra mirada, agrupándose en un conjunto de pequeñas maquetas que cuentan de aquellos majestuosos paisajes andinos.
Paisajes que fueron la inhabitual galería de arte que desde el 2004 al 2008 albergara a estos “Paisajes desplegados” en el marco de la muestra “Espacio y tiempo en los Andes”.
Dice Pagés Frascara, "son un redescubrimiento de la mirada andina, una mirada que no está perdida y que es totalmente recuperable. El hombre antiguo les asignaba a ciertos sitios un carácter simbólico y religioso específico. Nuestros paisajes no sólo poseen una belleza natural, sino también un contenido especial".
Cuenta el artista que en sus recorridos por los paisajes andinos encontró “geoformas muy atractivas que fueron creadas por la naturaleza y a las cuales las civilizaciones pasadas le otorgaron significados relacionados con su modo de vida”.
Cielo y tierra, hombre y naturaleza, pasado, tradiciones, mito y simbolismos, nuestras raíces desde una mirada actual que breva en sus fuentes, rescatándolas en un lenguaje de formas, colores, sensaciones… un viaje entre lo mágico y lo mítico a través del tiempo y la distancia.
Obra: Instalación “Nueve y medio”
Artista: Susana Barbará
“Sáquese los anillos al poner y sacarse las medias, haciendo lo propio cuando las lava”…
En un atril bañado en raso negro resalta una caja blanca, y una media Paris, de aquellas con costura, sinónimo de feminidad y seducción de los año 40, 50, descansa indolente, perfecta, sobre el fondo de raso marfil, a un lado una banqueta se une a esta figura a través de los pliegues del raso negro, sobre ella una placa de vidrio encuadrada guarda celosamente las indicaciones para su uso, lavado y cuidado. A su lado desde la pantalla de un plasma una pierna femenina, en un difícil escorzo es recorrida por un lápiz que delinea la falsa costura, mientras una música, sonido chirriante, breve, acompaña el movimiento de la mano “sin anillos” que “coloca-dibuja” la media. Por detrás, sobre el fondo blanco de la pared, a medida que llega la noche va cobrando forma una figura, la instalación se completa, el ciclo se cierra con la sombra de una media colgando, para reiniciarse cada mañana.
Cuando una media es solo una media, cuando es media…parte de algo, cuando es la otra mitad, o metáfora de aquello que falta para ser completo, cuando en su pasaje de una pierna a un espacio de arte la mirada del otro la transforma, objeto atemporal que remite a tantas lecturas como miradas recibe. Desde el talle 9 ½ que registra en la parte superior la susodicha media, a “las tres sillas” de Joseph Kosuth, pasando por “9 semanas y media” de Adrian Lyne, a “Ocho y medio” de Federico Fellini, Susana Barbará nos invita a imaginar, a jugar con los números, las palabras, la realidad y la fantasía, así ese “objeto media, objeto cotidiano” es ahora un “objeto artístico” que espera a ser leído.
Durante la segunda guerra mundial y postguerra escasearon muchos productos de primera necesidad así como otros considerados superfluos o de lujo, generándose un contrabando de muchos de ellos. Entre estos las medias de seda y entre ellas su vedette, las medias con costura, muchas mujeres recurrieron entonces a una ingeniosa estrategia, dibujarse la costura sobre las piernas, era una manera de sentirse femeninas, seductoras, de recuperar de algún modo una forma de vida, de enfrentar la realidad a través de la fantasía, de jugar a ser lo que fui lo que puedo ser, aquello que no quiero perder y que iba más allá de un par de medias, de un camino recorrido por la línea de una costura.
Una selección de piezas de la serie Roomba Funky, de Marta Ares,se suman a la propuesta de Arte x 2 que sigue abierta al público hasta el próximo viernes 24 de julio inclusive y puede ser visitada entre las 14 y las 19hs. A continuación unas palabras escritas por Graciela Taquini con motivo de la muestra que dio lugar a las obras que hoy están en exhibición.
"Desde hace varios años, y mucho antes que otros creadores, Marta Ares ha estudiado y expandido las posibilidades del video como medio de expresión. Es una artista precursora en pensar y producir una estética digital no solamente con un diseño por computadora sino también en la dimensión material donde lo manual tiene una impronta decisiva.
(...) roomBA funky nos propone el goce y la euforia de una catarata de formas que danzan en la superficie de la pintura, del acrílico o de las pantallas modulares produciendo una energía poderosa, una inyección sonora, visual y táctil de felicidad sensible que va más allá de cualquier concepto, que trasciende las bases racionalistas de nuestro bagaje cultural, muchas veces basado sólo en el pensamiento. Así, lo orgánico y lo musical se funden en armonía ( y melodía).
Si nuestros ancestros, los hombres de la prehistoria, recogían piedras con formas bellas ( y perfectas) que colocaban en (sus) las tumbas al lado de sus muertos -cuyos huesos pintaban de rojo-, es porque no sólo la trascendencia, sino la búsqueda de la buena forma, (forma formoso, hermoso) son inherentes a lo humano. Algo que el siglo XX (se ) desarrollara de modo científico a través de la teoría de la Gestalt que analiza la capacidad humana de configurar la percepción.
En las obras de Marta Ares, la sensualidad y el goce se apoderan de distintos soportes para brincar al son de música real. Todo baila, todo es móvil aunque esté quieto, todo resuena aunque sea mudo tal como lo concebía Paul Klee para quien música y pintura eran indivisibles.
Formas abstractas y de carácter casi biológico, a la vez reales y virtuales remiten a Matisse, se sostienen en el espíritu de Mariscal por nombrar alguno de sus artistas admirados. Estas formas, tal vez evocando cuentas, pastillas, amebas, pompones, caramelos, células, lunares, pueblan la composición, elevando la materia al movimiento en todos los soportes, impidiendo todo congelamiento ya que caen, giran, danzan, se deslizan en una explosión de multicapas de colores fríos y cálidos. (...)"
A raíz de la respuesta que ha tenido Arte x 2 hemos decidido prolongar la misma durante la próxima semana, de martes a viernes (inclusive) de 14 a 19hs.
Las algas en las ciencias biológicas estan clasificadas por su color: las verde-azules, las pardas y las rojas.
Y lo que me es más interesante es que se reproducen con terquedad.
Un elenco de algas componen mi obra: sintesis y familias se presentan: por color, por forma, por acción, por densidad del agua a la cual pertenen.
Hay combinaciones por capacidad de posibles movimientos: algas que expulsan, que repelen, que rotan, que caen, que engordan.
Y presentan repertorios de una posible mitología de algas segun la muestra de agua: en la muestra de agua del Pilcomayo hay algas que forman colonias laxas, que son bioluminiscentes y se combinan con otras algas fijas que tienen pigmentos refráctiles. así sucede con las muestras de agua de La Tigra, del Atlantico, muestra de agua del Toro, del Titicaca, del Rano Raracu, del Cuarto, del Riachuelo, del Correntoso, del Argentino.
Son algas en el agua en forma de planta o vista.
Las gorditas, las estilizadas y las multifilamento. Su escenario es a veces mugroso y otras límpido e inodoro. Están en el agua o lugares sumergidos.
Tienen borde neto. Son de color blanco.
En tres dimensiones, las algas están llenas de conservantes que las convierten en preciosas criaturas multicolores e inmortales.
El poder simbólico del agua.
Al agua se le endilgan unos cuantos atributos: la liquidez, la frescura, la pureza, la capacidad de disolución y aglutinación, la maternidad y el ritmo vital.
El agua es flexible, asume toda clase de formas. Tambien es un elemento que entra en la composiciónde los cuerpos.
La naturaleza del agua es la flexibilidad; sin embargo, no hay firmeza que no pueda penetrar ni fuerza que no pueda superar.
Tambien el agua es el objeto de una de las mayores valorizaciones del pensamiento humano: la valorización de la pureza. Nos sumergimos en elagua para renacer renovados.
La pureza es una de las categorías fundamentales de la valorización en el agua.
En muchas culturas son fundamentales los ritos de purificación a través del agua. Es por eso natural que, por poderosos que sean los ritos de purificación, que se dirijan a una materia que pueda simbolizarlos.
El agua clara es constante tentación para el fácil simbolismo de la pureza.
Simpatizamos con el drama de la pureza y la impureza del agua. ¿quien no experimenta por ejemplo, una especial repugnancia, irracional, inconsciente, directa, por la orilla sucia?¿por el río ensuciado por la basura y las fábricas?
Este ha sido el motor de la realización de fotografías que se presentan en ésta muestra.
Marina Rubino
El cabezal es un detalle de la fotografía "arsénico" de Marina Rubino, perteneciente a la muestra actual
Julieta Anaut es otra de las artistas que integran la muestra Arte x 2.
A Julieta la conocimos el año pasado cuando participó de la muestra Estados del Agua exhibiendo "Ofelia en el cristalino arroyo" una pieza de videoarte sobre la que hablaremos en un próximo post. En esta ocasión la artista nos acompaña con dos obras de videoarte, nuevamente Ofelia... e "Hilar destino" y con la serie "Ofrendas" de fotografías intervenidas y con "Retratos pasados, geometrías y partos" un conjunto ilustraciones y collages. Sobre esta última propuesta hablaremos en el presente post.
"Retratos pasados, geometrías y partos" es el título de una serie de collages, fotografías e ilustraciones que acompañan al trabajo inédito, próximo a publicar, por la escritora Emilce Schedel y por la misma Julieta Anaut. En palabras de sus creadoras "se trata de una experiencia muy especial, que abordó primero el trabajo de los textos poéticos los que luego, llegaran al encuentro de la musa del pincel para verse retratados en formas, colores, matices e imágenes diversas. El proyecto gráfico radica en la libertad absoluta de interpretación de la obra, de manera que la intervención ha sido fiel retrato de lo que inspiraron las letras. De la misma manera, las autoras intentan llevar esta idea a los lectores-observadores, para que en un juego sin fin, puedan encontrar las coincidencias o diferencias que hay entre cada soporte y construir el propio sentido en cada retrato."
A continuación transcribimos algunos de los poemas que Julieta ilustra. En próximos posts seguiremos comentando las otras propuestas de la artista.
Relación telar
Telas,
un manojo de tijeras entremezclado en una paleta de colores,
recortada la plancha de plástico cual jardín de infantes
para hacerlo más divertido y entonces,
el baile comienza,
los filos se acuestan con los hilos que perezosos,
se despiertan,
y ahí espía mientras,
el bastidor ansioso,
que con un guiño del celeste pastel,
le comunica espera, calma
y el taller está de fiesta,
la jornada no tiene horas sino mundos
y las obras son las manos en sí mismas.
Ahí
Sabé que estoy siempre ahí,
donde tus pensamientos
no pueden verme;
pero tu corazón
sabe que puede alcanzarme
Transformación
Un ángulo cambia,
vertiginoso,
sobre la fotografía
a tomar.
Decide que es vergonzoso,
anuncia,
mediante un violento contraluz.
El cóndor que sabe,
está remontando
la cordillera,
se ve apenas como
un colibrí blanco y negro.
Se (y para siempre)
Contó dos pasos, contó tres pasos, contó cuatro y cinco pasos más. Al mirar desde el quinto, se volvió al cuarto y temerosa, retrocedió al tercero. Se quedó apenas unos instantes, decidió que era demasiado. Se quedó en el tres. Se (y para siempre).
Todo, pero basta
Basta de panzas empinadas,
basta de nueve invertido,
basta de cinta ondulante,
basta de paraguas sin techos,
basta de otro nueve invertido.
Una de las estrategias que forman parte del comportamiento del arte contemporáneo es la de retomar el concepto de archivo o colección. Es posible y no ciertamente casualidad que en este paradigma se jueguen tangencialmente ideas que tiene que ver con la memoria, la contabilización, la catalogación, la imperiosa necesidad de reservar y resguardar y no dejar que nuestra existencia se diluya en el vacío.
ECONOMIA DE PENSAMIENTO, la obra que presenta Susana Barbará en un principio se inscribe sobre esta intención archivística al seleccionar, clasificar y numerar 500 frases comunes que sirven de comodín en situaciones determinadas donde no existe la posibilidad de elaborar una respuesta subjetiva.
Esta recolección del lenguaje podría verse además desde un tamiz antropológico, como lo es en definitiva la puesta en juego de toda idea de archivo. La artista articula una suerte de museo de la palabra. Cataloga según las situaciones, los temas, los géneros, etc un banco de frases prefabricadas y con ello ya estaría completa la estructura de archivo.
Ahora bien el análisis de la obra estaría incompleto si a eso no se sumase el soporte que contiene este trabajo: un libro copiador contable.
Susana Barbará toma este objeto, lo desfuncionaliza, pero no le readjudica una función diferente, lo vuelve a funcionalizar a partir del su propio uso, solamente cambia el contenido, de esta manera la artista establece una bisagra para dos nuevas capas de sentido.
En primera instancia una capa de sentido mucho mas metafórica que hace referencia a la contabilización y catalogación permanente y obsesiva a la cual sometemos todos los hechos y situaciones de nuestra vida; así como también denota una suerte de banalización del lenguaje, la creación de fórmulas prefabricadas que llevaría casi a un vaciamiento de sentido. Frases que en un punto no significan mas que columnas de un libro contable.
Una segunda capa de sentido que se adscribe sobre el soporte es la autorreferencialidad, estrategia que es casi una impronta personal en la obra de Barbará.
La artista es Contadora Publica Nacional egresada de la UBA, carrera que curso y finalizó paralelamente a sus estudios en la Escuela Nacional de Bellas Artes.
Su presencia está implícita en la obra a través de una suerte de autoría compartida .
Con esta propuesta objetualista Susana Barbará desplaza al libro contable, al objeto, de su ámbito cotidiano y de su red especifico-funcional sin desprenderse totalmente de su esencia, ese resto que queda de su significado y su función lo integra a una nueva trama de relaciones, sensibilidades y significados .
Maria Gnecco
La obra se hace presente en esta ocasión en la planta alta de Objeto a, con una propuesta que invita a los visitantes a participar para generar un segundo libro copiador. Aquellos interesados pueden acercarse hasta el sábado 18 inclusive, entre las 14 y las 19hs, dentro del marco de la muestra Arte x 2, donde Susana Barbará también esta presentando " 9 y 1/2 ", obra que también comentaremos en breve en el blog.
Durante el mes de julio en Objeto a inauguramos una nueva propuesta: Ciclo A, dando comienzo a la misma con la muestra Arte x 2.
Continuando con nuestra característica de generar propuestas interdisciplinarias, de impulsar el arte nacional y fomentar las nuevas expresiones artísticas surgió Ciclo A, cuya finalidad es la difusión de la obra de los artistas estables de Objeto a, brindando al público la posibilidad de acercarse de una manera dinámica y continua tanto a las últimas producciones, experimentaciones y búsquedas de estos artistas como a obras anteriores que ya forman parte de la trastienda del espacio.
Este ciclo surge casi como una consecuencia de nuestro andar. Nuestro proyecto original se va enriqueciendo a medida que profundizamos. Más allá de la obra del artista, está la persona y está su proceso de desarrollo de la idea creativa. Nos vamos conociendo, artistas, visitantes, curadores y aquello que conformamos Objeto a, y vamos entendiendo que el trabajo en conjunto es un aporte de valores cuyo resultado es una propuesta integradora , una experiencia de mayor valor tanto en contenido como vivencial para todos los que conformamos este circulo.
Más allá de la contemplación, el puente que se crea con el asistente permite un acercamiento concreto al arte contemporáneo de finales de la primer década del siglo XXI: nuevas propuestas, nuevos públicos.
Ciclo A es una propuesta que se repetirá a lo largo del tiempo entre las diferentes muestras programadas para cada año, para dar la oportunidad a los artistas estables del Espacio de mostrar nuevos proyectos junto con los trabajos que ya exhiben en trastienda, generando exhibiciones, talleres, encuentros, performances entre otras actividades.
Ciclo A adopta su nombre al igual que el nombre del Espacio en un juego alusivo a un concepto del psicoanálisis lacaniano, en este caso “objeto A”, A mayúscula, que alude al “Gran Otro de la cultura”, que con su mirada nos constituye.
Decidimos también llamarlo Ciclo A en un juego con las “a” mayúscula de su nombre y la minúscula de Objeto a, con la a de arte, de arché, de armonía, de alegoría, porque como dice Schiller “el juego es arte”, y en este juego observador, artista y obra confluyen.
Para quienes nos acompañan desde nuestros primeros pasos y para aquellos que ahora se suman recordamos porque el nombre Objeto a. Este surge desde la concepción lacaniana de “Objeto a” en tanto “objeto de deseo”. Remite a nuestra “carencia en ser”, a esa búsqueda siempre fallida de aquello que nos complete, búsqueda constante de “un algo” que nunca se encuentra, que siempre está un poco más allá, búsqueda que nunca se satisface, por eso nos motiva, nos impulsa…es lugar de encuentros y desencuentros, de semejanzas y diferencias, siendo el arte lugar por excelencia donde esto ocurre.
Es en el arte entonces, más allá de las épocas y corrientes ideológicas que lo acompañan y lo atraviesan donde nos encontramos en nuestra “carencia”, donde intentamos “completarla”, lugar que nos permite la ilusión de ser.
Esperamos que hayan encontrado interesante este laberinto de nombres y propuestas y que se sigan jugando junto a nosotros y los artistas que nos acompañan, y en este ida y vuelta de propuestas y miradas se den nuevas búsquedas y encuentros ya que todo juego significa algo, al decir de Huizinga, “es una función llena de sentido”.
En esta ocasión Ciclo A presenta una mini-muestra de seis días de duración que bajo el nombre de Arte x 2 aúna a seis artistas que coinciden en el desarrollo de obras de videoarte y que a su vez experimentan con otras formas de expresión artística, fotografía intervenida, libros de artista, objetos artísticos, etc. De esta forma entre el 13 y el 18 de julio se estarán exhibiendo obras inéditas, obras premiadas, y obras que tienen en su haber un rico recorrido.
Participan de Arte x 2 Julieta Anaut, Marta Ares, Susana Barbará, Daniela Muttis, Horacio Pages y Marina Rubino. La muestra puede ser visitada entre el lunes 13 y el sábado 18 de julio, entre las 14 y las 19hs.
Teniendo en cuenta las prevenciones sugeridas por el cuidado de la pandemia de la gripe A, en esta ocasión no se realizará vernissage ni actividades culturales de concurrencia masivas para acompañar la muestra, como es costumbre del Espacio.
Entre el lunes 13 y el sábado 18 de julioObjeto a dará inicio a una nueva propuesta: “Ciclo A” donde los artistas de Objeto a exhibirán tanto nuevas producciones como obras que ya forman parte de la trastienda. Esta primera edición auna artistas que coinciden en la producción de obras de videoarte y también a la exploración de otras expresiones como la fotografía, la plástica, los objetos, entre otros… por eso en esta ocasión Ciclo A presentará Arte x 2, seis días, seis artistas trabajando en dos disciplinas. La exhibición estará abierta entre las 14 y las 19hs.
Formarán parte de la misma Julieta Anaut, Marta Ares, Susana Barbará, Daniela Muttis, Horacio Pages y Marina Rubino. Las propuestas juegan con distintas estéticas y búsquedas. De esto se trata Objeto a.
Dadas las medidas de prevención sugeridas para acompañar el estado de emergencia sanitaria decretado, durante el mes de julio no se realizarán actividades de extensión cultural en Objeto a.
Las semanas siguientes a la muestra se trabajará junto con distintas instituciones en encuentros culturales cerrados hasta la inauguración de Nivel 13, coordinada por Ingrid Dietrich, que tendrá lugar durante la primera semana de agosto, fecha a confirmar en breve.
El miércoles 10 de junio fue el primer Gallery Nightsde Palermo del 2009 y dentro de este marco Objeto a inauguró la muestra Partitura de Agua, curada por Estela Pereda, en la que se exhibieron hasta el viernes 26 de junio las obras de la artista y el grupo que conforma su taller. La muestra contó con la participación especial de la Universidad Maimónides, a través del proyecto Biosfera de Joaquín Fargas.
También pueden ver imágenes de la vernissage de Partitura de Agua y dos videos: un recorrido durante la apertura y la primera parte de una entrevista realizada por Buenos Aires Lado B.
Las actividades de la agenda de extensión cultural que acompañó la muestra, tuvieron lugar el sábado 20 de junio con un programa de charla /mesa debate y una performance de la artista Josefina Ocampo.
Para este mes de julio que se inicia les vamos anunciando, que dentro del marco de rotación de la obra de trastienda del espacio, del lunes 13 al sábado 18 de julio, Objeto a estará presentando Arte x 2, seis días, seis artistas, dos expresiones: videoarte y artes plásticas. Pronto iremos subiendo más información sobre esta muestra.
Desde el 1º al 12 de julio Objeto a permanecerá cerrado al público mientras preparamos la próxima rotación de trastienda: Arte x 2, donde durante seis días, seis artistas expondran sus trabajos en dos formatos: video arte y artes plásticas.
